Pet Shop Boys en Sonar 2013

El Sonar Noche del día 15 era de Pet Shop Boys. Claro que George Fotzgerald, Hot Natured y, por supuesto que los 2Many Djs tuvieron su momento, pero nuestra misión se concentraba allí en SonarClub, para ver a Neil Tennant y Chris Lowe, y testar así el devenir de la música electrónica. Creíamos que seguían presentando Elysium. Ni un año hace del lanzamiento de éste, y ya están a punto de sacar Electric. Por sorpresa nos lo anunciaba una cortina que tapaba el escenario donde se proyectaba la noticia… Y es que no sabíamos ni siquiera que estaban ya de gira desde mayo, comenzando en Santiago De Chile. Con un título así, el resultado puede ser más electrónico que pop o disco/pop, como nos tienen acostumbrado, amén de otros ritmos, que prueban la versatilidad de Neil y Chris. Un pensamiento así podría estar más basado en tener en la mente aún el concierto de la noche anterior, en el mismo lugar, donde Kraftwerk dejaron pocos clásicos atrás.

El comienzo del concierto sería la proyección con el primer single,“Axis”, que nos parece confirmar lo anteriormente expuesto; “Axis” rezuma agresividad electrónica por los cuatro costados tirando al house, y con poco espacio para Neil Tennant. Un comienzo bien emocionante, atestiguado por los que llenaban las primeras filas, entre ellos dos personas con conos por sombrero, uno con una gorra en la que pone “BOY”, y otro con un bombín, símbolos ya de dos décadas y dos sonidos de este dúo formado en Chelsea, allá por 1981. “West EndGirls”, su primer sencillo, de 1986, les llevó a la fama internacional, y desde entonces les tenemos ahí, con una infinidad de canciones, ya clásicos, que son distintas y distintivas, que harían bailar a todos los que estábamos allí. “One More Chance”, que abría Actually (1987) en un medley con “Face Like That” de Elysium marcaba el principio de la actuación, con Neil y Chris ataviados en negros abrigos que parecían estar hechos de cañitas, y dos bailarines que no pararían de cambiar de atuendos (también el dúo) dejándonos boquiabiertos más de una vez. La intro de otro single, “Let’s Make Lots Of Money” daba que pensar; llevaba un sampler de “Money” de Pink Floyd, grupo al que siempre han nombrado en alguna entrevista de manera algo… especial. Sorpresón con la siguiente canción, “Memory Of TheFuture”, de lo mejor que ha hecho el dúo en su carrera, y también de Elysium. Una pena que fuera el tercer single, hubiera sido un gran presentador del álbum, que aunque con puntos flojos, esconde grandes canciones. Quizá una producción menos electrónica, o más básica, no hubiera inundado el trabajo entero. Este puede ser el punto débil de los últimos discos de los ingleses. ¿Y a quién le importaba eso en ese momento, si pronto seguirían con clasicazos como “I Wouldn’tNormally Do ThisKind of Thing” (¡con los cuatro artistas en escena ataviados de minotauros!) la inolvidable “Suburbia” y, (¡oh, sorpresa!), aquel temón que escribieron originalmente para el grupo de PatsyKensit, EightWonder, que llevaba por título “I’mNotScared”? El recital seguía adelante con la cara y cruz que son Pet Shop Boys desde sus comienzos; Neil cantando (…no siempre…) de manera expresiva y animando al público, y Chris, casi escondido en mil gorros y sombreros, con gafas de sol, y dejando los movimientos al mínimo, delante de su sintetizador. Estábamos ante un espectáculo audiovisualpero, menos mal, sin los excesos de otras giras sin dejar atrás la extravagancia visual de siempre. Por ejemplo, “LoveEtc” (de Yes, 2009) la interpretaron en sendas camas donde se proyectaban cuerpos moviéndose a gran velocidad. Otra sorpresa fue “Thursday”, con la imagen gigante proyectada del rapero Example, como colaboración virtual. No faltaron “Rent”, y dos de los temas mejor recibidos, “It’s a Sin” y “Domino Dancing”. ¿Sería el punto álgido de la noche cuando con expresión confiada, Neil presentó “Go West”? “Esto seguro que os va a gustar”, dijo, y así fue. Concesiones así al público sólo podían ser señal del fin de la actuación. Luego llegó “Always On My Mind”, la versión de Elvis Presley (bueno, de Brenda Lee) que les llevó al éxito de nuevo en 1998 con aquel magnífico Introspective. Y para casi el final, el himno urbano que ya lo era en los ochenta, “West End Girls”. “Vocal”,un tema bien movido de Electric, segundo single,fue la coda a un espectáculo sin nostalgia de los ochenta, sino celebración, y también mirando al futuro, y sobre todo lleno de energía. Esperamos que Electric sea un gran álbum, y si no, que nos quiten lo baila’o.

Al salir del recinto del concierto, otro espectáculo, esta vez patético, que no tendría que ver con la música, con jóvenes bajo los efectos de algo, e imbéciles grabándolo con sus móviles. A nosotros no nos hizo falta nada para alucinar con buena música. El éxito de Sónar fue otro para nosotros. A pesar de los precios, esos momentos para nosotros quedan.

Ingrid Chavez Exclusive Interview - Black Eskimo & Beyond

Ingrid Chávez comes back with a new recording called Deep and Heady forming a duo with Chicago producer and musician Marco Valentin, under the name of Black Eskimo.

Since May 19, 1992 (1992), Little Girls with 99 Lives (1997) and A Flutter and Some Words (2010), the focus on her excellent and original creation has been distracted, but never eclipsed, by her collaborators. Now, as Black Eskimo, she fulfill expectations created by “Escapology” and “The Decemberists” in the shape of an album in two parts. The contrast between Marco and Ingrid works, and they are beginning to show results. Ingrid tells us about the recording of Deep and Heady and more:

Why ‘Black Skimo’?

Where we live and wrote the songs, it’s very cold with long winters and lots of snow. We feel sometimes like we are displaced Eskimos breaking through the silence of the cold icy winters.

How did the collaboration between you and Marco begin? “I’m married to my music always looking for a new muse to fuse it” How was the collaboration with Marco?

We had a mutual friend who introduced us to each other’s music about seven years ago. Although we did not meet back then we wrote a few songs sending files via the internet. We lost contact with each other and I started working with Lorenzo Scopelliti on A Flutter And Some Words. In February 2010, soon after A Flutter… was released Marco found me on Myspace and asked me if I would like to try writing songs together again. We started sending files back and forth via the enter net again and here we are four years later.

I love it that you pulled out that line from “I’m On”. It’s true, my life is the music. Prince once said that I was married to my music and that I would never get ‘married’. I disagreed with him back then of course but, looking back maybe he knew something that I didn’t. Anyway, I did have that conversation in mind when I wrote that line in the song. A muse can come in many different forms. Most of the time it is in a person I suppose but, I have a Japanese Maple tree with a Buddha that sits beneath it. That scene has inspired me through fourteen winters. Being a writer, I am always looking for the muse to fuse the voice, the words and the melodies, to evoke some emotional response. It’s my drug of choice, a new song.

What did you learn from your previous ones?

Each collaboration brings out some new way of feeling or expression for me keeps it fresh. I will never make another album like May 19, 1992. That was me and Prince and the little world that we lived in for a winter. A Flutter And Some Words was Italy, the salty sea and warm sun, poetry and all things beautiful. Deep And Heady is the long cold winters here in New Hampshire building fires, living on the edge, putting every bit of money and energy we have into making this record. There are other collaborations that mark other periods in my life but these are the three that I put my heart and soul into.

 

What do you seek when you write poetry and music? Is there a message?

If there is a message in any of my songs, it’s to myself I suppose. When I write, I am summing up some feeling or experience that is very personal; I am learning something about myself. When I start a new song, the whole journey from melody to lyrics, it’s like giving birth. The complete song is such a release of energy. Completing an album is like writing a book, each song is a chapter of my life. It was no different with May 19, 1992, once it was finished it felt like entries in a diary.

Of all those songs in Deep and Heady, which one/s do you prefer? (& why?)

I love them all but I think that “Touch”, “My Love’s a 45” and “Ride” are my favourites. Touch because it really sums up how it feels to grow close to someone, to fall in love with a friend and wonder if it’s ok to cross that line. “My Love’s a 45” is just a clever lyric: ‘If you’re a storm chaser come to settle me, you better know what you’re doing, everything I touch seems to send in ruin’. I love singing that song live. “Ride”, I love the spoken word element of it and the lyrics are strong: ‘Life is a rollercoaster, I love the highs as much as the lows’. That’s what my songs are born out of, that full appreciation of what love and life has to offer.

And from your previous ones?

From A Flutter And Some Words, I would say “Mine”, “A Flutter And Some Words” and “Isobel” and “Backroads”.

What was what made you choose those photographs for the album?

The photographs are mysterious. They were both taken during journeys away from home. They both have water. There is a solitude reflected in each one that is broken once you put the music on. 

In general terms, what makes you click the button of your camera?

I rarely click the camera these days because I have been so busy with this record but, I tend to take photographs when I am on a long drive alone. When I am in a quiet space and the landscape reflects my state of mind. Click! 

What’s the main difference between Deep and Heady and your previous albums?

The main difference between Deep & Heady and the two previous albums I would say is a clear vision of what I wanted the end result to be. A stronger voice and this time around I wasn’t concerned about beauty and poetry. There is another line in “I’m On” that says ‘I survived the death of a poet, and now I’m gonna show it, I’ve arrived, you’ll know it when you hear this new beat’. I think that the scope of the lyrics although maybe not as poetic, it’s not so different from May 19, 1992. 

In what sense the title ‘Deep and Heady’ describes the album?

The word Heady brings to mind the song “Lilac Wine”. I love Jeff Buckley’s version. ‘Lilac wine is sweet and heady, like my love Lilac wine, I feel unsteady, like my love’

Deep, I knew even before I started writing this album that I was intending to make my next record cut deeper than A Flutter. The title comes from the song “Deep and Heady” which is a song about being in love with someone who you have lost and will forever be seeking that ‘love high’ again like a junky. When we decided to release the album in two parts, Deep and Heady as two separate titles worked nicely.

You’ve been warming up your live shows. How was the experience?

I have been waiting for the right set of songs to come along that I felt I could commit to touring. This is it. I love playing them live and I hope to make it over to Spain in the next year!

What are the duo’s next steps? more tour dates?
Yes! We are just getting started. We also have more songs in the works. You haven’t heard the last of Black Eskimo!

Listening to her work, it’s clear that Ingrid had the luck to work with artists of such a standing as Prince, David Sylvian, Lenny Kravitz and Madonna (Ingrid co-wrote “Justify my Love”), Ryuichi Sakamoto and many more. However, she was not the only lucky one, they could modulate their creation under her prism and sensibility of such an original artist like her. Approach her music with no preconceptions, no labels and no proper names if not hers.

Suede en Razzmatazz 2013

Suede

Razzmatazz
Barcelona

05/11/13
Apareció en Achtung
Fotos: Antonio Jesús Reyes y Xiang Taoying

Después de siete años sin hacer nada juntos, estos músicos abanderados de aquella ecléctica etiqueta del Brit-pop realizaron una gira de grandes éxitos en 2010 que olía a despedida, y que, sin embargo dieron paso a visos de volver, como aquella declaración en la que Brett en la que afirmaba que volverían a grabar, pero que sólo saldría a la luz si resultaba ser realmente bueno. Así regresaron editando Bloodsports (2013) con el espíritu de las canciones del discazo que fue Coming Up (1996), y algo, no mucho, de Dog Man Star (1994). Así fue como estos músicos de la Pérfida Albión volvieron a la carga y no han parado en los últimos tres años.

Ya los vimos allí mismo en la Sala Razzmatazz, en la antes mencionada gira de regreso, así que volvíamos al mismo lugar para lo mismo pero con Bloodsports de por medio, que goza y con razón del beneplácito de la crítica, las listas de ventas, y como se vio y vivió allí, de los seguidores de la banda, los nuevos y los de siempre. La edad del público rondaría entre los cuarenta y los veintialgo, dejando patente que el legado de Suede y su nuevo disco han dejado huella. Entre ellos, y pegado a la barrera (the barrier!) un jovenzuelo lee un libro de David Bowie de la Editorial Los Juglares, publicado mucho antes de que existiera él o Suede, que ya hace tiempo que son algo más que descendientes del legado de cierta época de Bowie, o de los Smiths y demás. Nunca es mal momento para ilustrarse un poco. En la cortina del fondo del escenario estaba proyectado el nombre de la banda con colores que cambiaban según las portadas los de los álbumes que han publicado hasta la fecha. Desde los altavoces, de repente, y casi puntual, la intro de la banda, Rachmaninov, ni más ni menos, como en la gira de Head Music, y entonces aparece Suede de una vez. Lo normal es empezar un concierto con una canción para calentar motores, sin embargo, y no es la primera vez, Suede comienzan con una canción de Dog Man Star, lenta y hermosa y de crescendo lacerante que es “Still Life”, con un Brett Anderson dándolo todo, que sería la tónica del concierto. Con “Barriers”, primer single de Bloodsports, abre el desenfreno entre los presentes que llegaría con más del mismo álbum, como “It Starts and Ends with You” y legendarios como “Trash” y “Animal Nitrate”.

La cosa se puso seria luego, muy seria con “Sometimes I Feel I Float Away”, con Brett Anderson, la cara de Suede como no lo habíamos visto antes, interpretando (en ambos sentidos) de una manera magistral sintiendo la canción, sudando y temblando, reflejando la crisis interna del personaje de la canción. Gratísima sorpresa la de incluir “Killing of A Flash Boy”, una cara B de Dog Man Star, que fue uno de los puntos álgidos de la actuación. Y es que Suede en los noventa dio en muchas ocasiones muchas caras B mucho mejores que algunas incluidas en los álbumes, como una de las siguientes, “My Dark Star”, del enormísimo “Stay Together”. Otra sorpresa fue “Heroin”, escondida en las sesiones de Head Music (1999) e interpretada por primera vez en directo en el Razzmatazz en aquel momento. Este tema nos recordó a la carrera de Brett Anderson sin Suede. Con The Tears, el proyecto no acabó de cuajar contra todo pronóstico, y su carrera en solitario tampoco… en un claro ejemplo del lamentable síndrome que sufrió Bowie con Tin Machine, donde el nombre del intérprete importa más que sus canciones. Sin embargo, la esencia de Suede en directo es Brett, los demás músicos pasan a un segundo plano, un brillante segundo plano, pero es que Anderson no para en el escenario; salta, baila, gesticula, se acerca para tocar al público con la mano, hunde la cara en el público mientras canta, y sin dar tregua. “So Young” trajo consigo algo ya usual en el directo de Suede desde sus principios; al final de la canción, mientras el tempo se va haciendo más lento, el micrófono vuela al compás de la música, alrededor de Brett Anderson atándole con el cable, acabándose justo a la vez que la canción. No faltó “The Beautiful Ones”, amagando despedida, y “New Generation”, revelador título viendo a los presentes, que fue el único bis con el que Suede dijeron adiós, dejándonos satisfechos pero con ganas de más. Paradojas del rock, amigos.

El recital no fue un himno a la nostalgia de los noventa, sino la celebración de la continuidad de la vigencia de las canciones de antes, y las de ahora, y prueba irrefutable del estado de salud de la banda sobre las tablas. Que las canciones de decadencia urbana de primera clase continúen, y así de bien.

Pulp - Sheffield y Más Allá

Apareció en DECIREVES (Enero 2014)

Esta es la historia de una banda de Sheffield, la ciudad de la fábricas de hierro y acero, que llevó al estrellato una canción que trataba de ser gente corriente. A finales de los años setenta, y con la industria de la ciudad en declive, comenzó a un proceso de quince años que llevó al siempre líder, Jarvis Cocker desde mil fracasos hasta la fama. Todo empezó con Jarvis, a los catorce años, y con nombres como Arabicus, Arabicus Pulp, y al fin, Pulp, como homenaje a la película de 1972 con Michel Caine. En tres años, y con Jarvis y el guitarrista Russel Senior como núcleo del grupo, consiguieron un sueño hecho realidad, que era el de tocar para las sesiones del visionario de la música llamado John Peel. La actuación les aseguró una enorme fama local que se apagaría rápido. Aquello fue en 1981. Dos años más tarde  llegó It, primer álbum, que fue un trabajo acústico que sonaba como a un jovenzuelo Scott Walker cantando folk y desafinando de vez en cuando. Sin embargo, tiene un encanto amateur que atrae; mejores discos y mejor grabados hemos borrado de nuestras mentes para siempre. Para nada está exento de encanto este It, y temas como “Blue Girls” y “Boats and Trains” lo atestiguan.

 

Los siguientes años traerían mucha creatividad y originalidad, así como desgracias; un local entero peleándose durante un concierto, o Jarvis cayendo desde un tercer piso por intentar impresionar a una chica, por lo que tuvo que pasar dos meses en una silla de ruedas, eso sí, cumpliendo con sus actuaciones en directo. Y ahora, su suerte en Fire Records, con singles como "Little Girl (With Blue Eyes)”, no daba signos de que la suerte del grupo fuera a cambiar. Hete aquí que Freaks (1987) daba una de cal y otra de arena. La mitad bien podría haber entrado en It, sin embargo la otra mitad es oscura y sombría, como la bipolar “Anorexic Beauty” o “The Never-ending Story”. Y es que, claro, cuesta abajo y sin frenos, un grupo no puede intentar dejar buena impresión en una discoteca con una canción llamada alegórica “Death Goes to the Disco”.

¿A dónde nos encaminaría Separations? Grabado en 1989, en este punto, la banda ya había tenido mil encarnaciones, con Jarvis y Russel perennes, y hasta se había llegado a disolver por un breve espacio de tiempo. Con su Cara A más experimental, y su B orientada a las pistas de baile, Pulp nos dejaba con un trabajo menos psicótico que Freaks, pero igual de disfrutable. Además de “Countdown”, una apuesta muy comercial y brillante, Separations incluyó el single “My Legendary Girlfriend”, onírica, misteriosa y pop, y sus cerca de siete minutos que les llevó a ser single de la semana en NME. Buenas noticias al fin, de no ser porque el álbum de estos singles tardó tres años en ver la calle. También es el fin de una etapa; la esencia de los anteriores, su encanto estridente sin que mediara voluntad, desaparecería para bien o para mal. Esta cualidad casi inefable les pone en la lista de ser de los primeros en echar mano cuando tenemos etapas en las que nuestros artistas musicales preferidos nos están cansando.

Luego llegó aquello del Britpop (aún en bambalinas, era 1992), con Suede, Oasis, Supergrass, Elastica, Blur, con los setenta, los sesenta, los Smiths y los Stones Roses por bandera Union Jack. Pulp, sin embargo, estaban bien lejos de las influencias que eran más evidentes en los demás. ¿Quién se acordaba de, por ejemplo, Scott Walker? En este año, Fire Records hizo coincidir la aparición de aquel Separations con His ‘N’ Hers, el álbum con el que Pulp, ya en Gift Records, se subía al carro de aquel movimiento. Desde el primer al último tema, y gracias a la producción de Ed Buller, His ‘N’ Hers es su primer álbum lleno de confianza, dinamismo y brillantez palpables. Jarvis baja de los temas universales para tocar tierra con anécdotas e historias a las que, al menos en apariencia, se les huele algo de biográfico o autobiográfico. El voyerismo de “Babies”, la demolición personal de “Razzmatazz” y “Lipgloss” o la segunda persona del singular en “Do You Remember the First Time?” les acercan al público, al que parce que están componiendo su banda sonora vita.

Y Jarvis Cocker haciéndose un sex-symbol; largo, canijo, con gafas a lo Seguridad Social de Reino Unido de montura negra, negrísima y enormes lentes de alta graduación… Así es el mundo de la música, amigos. Éxito de ventas, crítica y público en los conciertos. Llegó el momento del single que se tornó himno de la clase trabajadora en mayo de 1995, es decir, “Common People”, el momento de ridiculizar a los snobs de la clase alta haciendo su estupidez evidente, y de cantarlo marcando historia en Glastonbury, donde sustituyeron a los Stone Roses, para lamento de pocos, que además no estaban atentos a cómo se le caían los pétalos a las rosas pétreas. “Common People” trata de una chica adinerada de Grecia que Jarvis conoció cuando estudiaba cine en Londres, siete años antes. La muchacha había decidido vivir en Hackney y “vivir como la gente corriente”:

Conocí a la chica de la canción hace mucho tiempo, cuando estudiaba en St. Martin's College, en una clase de escultura, durante la quincena en la que alumnos de distintas disciplinas exploran otras. Yo estudiaba cine, y ella había estado haciendo algo de pintura, y los dos decidimos hacer escultura durante dos semanas. No sé su nombre. Sería por 1988, así que retomar aquello fue como escribir Historia Antigua”. Jarvis en NME, 2013

Con el sarcasmo como arma, Jarvis ridiculiza la actitud de la chica dirigiéndose a ella, que no optaría por vivir todas las miserias que vive el ciudadano de a pie, y de hacerlo, siempre habría  un teléfono cerca para llamar a papaíto. El videoclip, con de gente corriente y no corriente en loops de cortos movimientos, tampoco tenía desperdicio. El título casa con el del álbum en el que se incluyó, Diferent Class (1995), de doble significado, es decir diferente, referido o no a la clase social. Dentro de esta especie de lucha (relativa) entre arriba y abajo está la anécdota ocurrida en la entrega de los Brit Awards. ¿A cuento de qué invitaron a Michael Jackson? Allí estaba él, autodenominado rey del pop, entunicado en plan mesías de nada, lavando su pedofilia con ecología. En plena actuación, un espontáneo saltó al escenario brevemente y bailó de manera cómica, discordante con toda la gloria de cartón que había allí montada. Era Jarvis, que así rompía la solemnidad vacua de la actuación del americano, que le costó pasar la noche en una comisaría. En primera persona, se explicaba así: 

"Lo que hice fue como protesta a la imagen que Michael Jackson tiene de sí mismo, como una especie de Jesucristo que tiene el poder de curar.”

Lejías a parte, el eco del éxito de Different Class llega hasta nuestros días, y es el más celebrado de Pulp, el más accesible, el más rápido, que no desmerece a temas como las preguntas de hondo calado de “Something Changed”, el llenapistas “Disco 2000” o el fetichismo de “Pencil Skirt”, de muy pocas dobleces.

La fiesta que fue el Britpop se acababa. Los músicos empezaron a separarse, a cambiar erróneamente o tenérselo creído al inflar los esquemas. En este contexto, en 1998 aparece This Is Hardcore, como si fuera el ruido de fondo de una resaca vital. Número uno en ventas, y éxito de críticas de nuevo (Different Class se quedó en el dos en muchas listas). Con más o menos tragedia o ironía, el disco trata de envejecer, los efectos de la droga, rupturas, pornografía, y al fin y al cabo, el precio de la fama. Esta “banda sonora de la guarida de un soltero” es enorme en composición y producción (algo inflada también, en momentos), pero diferente a su anterior. Disfrutarlo entendiendo de qué trata no es una labor fácil del todo. Sin duda el tema que da título al disco, junto con “Help the Aged”, la infravalorada “Sylvia” o “Like a Friend”,  tema que quedó para la película Great Expectations (que no es ni más ni menos que la descripción de esa relación en la que no te deberías haber metido) seguían dando la razón a Jarvis y los suyos. En este punto Russel Senior no estaba de acuerdo del todo, y dejó la banda.

Y luego, ocurrió lo que nadie esperaba. El esquivo Scott Walker accedió a producir un trabajo para Pulp que se llamaría We Love Life (2001). Contra todo pronóstico, ni de lejos llegó a las ventas de sus dos anteriores trabajos, y sin embargo la crítica lo sigue tratando bien, pese al cambio de sonido del grupo. Quizá olvidando de dónde viene el grupo, de cómo lo hemos endiosado, podremos disfrutarlo como merece de una vez por todas. “The Trees” no fue un buen single de presentación. Para cuando “Bad Cover Version”, con su mofa de las canciones tipo “Do They Know It’s Christmas” o “We Are The World” salió, ya era un poco tarde. Y la banda, habiendo tocado otra cima de creatividad y éxtasis con “Sunrise”, se separa.

Los dos álbumes en solitario de Jarvis (Jarvis y Further Complications, en 2006 y 2009) corrieron la misma suerte que We Love Life… Y llegó el regreso. Desde mayo de 2011, y hasta diciembre de 2012 Pulp recorrieron los escenarios de varios continentes. Acabaron la gira en la misma ciudad donde empezó este artículo (bueno, en realidad luego tocaron en Jamaica y Las Bahamas pocas semanas después) en una Sheffield cuya economía se encuentra en una mejor situación. Esperamos que el futuro incierto de la banda nos traiga más conciertos, y discos si es posible, con nuevas historias de esas que pueden ser la tuya y la mía.

Un Pingüino En Mi Ascensor - Rara Avis del Pop Español (Bourbon Café, Córdoba)

Bourbon Café

Córdoba

08/03/2013

Apareció en Achtung

 

Desde 1985, a la edad de veinte años, José Luis Moro se armó de “un órgano Yamaha de esos de mueble, como los que usan las marujas yanquis para tocar villancicos” y dedicarse a la música. Por el camino encontró a Mario Gil, teclista de Paraíso, Aviador Dro y La Mode. Así se fundó Un Pingüino En Mi Ascensor, rara avis del panorama pop español, y lo es por sus letras, irónicas, surrealistas de lo cotidiano, de pequeñas historias con grandes rimas. También por el formato musical y por la puesta en escena. Un Pingüino En Mi Ascensor (1987) y El Balneario (1988) ya traían debajo del brazo grandes clásicos (“Espiando A Mi Vecina”, “Atrapados En El Ascensor”, “Juegas Con Mi Corazón”, por nombrar algunos). Las canciones, tan, tan pegadizas sin que lleguen cansar, parecen tener como influencias WAQ, New Musik, The Cars, Ciento Bailando (que por breve tiempo fueron la banda de Un Pingüino), Alaska y Los Pegamoides, y en definitiva, todo lo que no sonara aburrido… o si sonaba, darle la vuelta. Tras Disfrutar Con Las DesgraciasAjenas (1989) y El Ama De Casa Estafada Por La Publicidad (1990) las entregas se irían separando en el tiempo. José Luis se iría adentrando profesionalmente en el mundo de la publicidad, y las entregas se irían haciendo intermitentes. De José Luis son spots que han quedado para siempre, y un Premio Ondas por esta labor. En 1999, Pingüimatic, un directo grabado en la Sala Sol de Madrid, indicaba la apuesta por el directo. Aquí encontramos el porqué de la vuelta de José Luis:

“Ha llegado el momento de explicar qué coño hago yo aquí… Yo vivía tan tranquilo en mi retiro espiritual, pero contemplé el siniestro panorama musical que nos rodeaba. Primero fueron los cantautores… luego vinieron los grupos de matrimonios que cantan sevillanas… cuando parecía que ya no había nada peor, llegaron los gaiteros”

La sorpresa en 2004 fue Piromanía, y más y más conciertos en salas grandes, medianas y pequeñas siempre con gran éxito. En esta entrega, más visiones entre bromas y no bromas de la vida diaria, como “Eres Más Complicada Que Armar Un Mueble De Ikea”.

Con un perfil así, estaba claro que no quedaba más remedio que hacer las maletas y viajar a donde fuera a ver qué se cuece en el directo del dúo. En la fría noche del ocho de marzo, El Bourbon Café, en Córdoba, (un escenario del gusto de muchos grandes artistas últimamente) parecía ser el destino para desfogar la melancolía de los años ochenta. Claro, que resultó ser algo más. Para empezar, el VJ nos obsequió con una larga selección de la época, provocando una preocupante mirada al actual panorama de la música española que sale en los medios.

Con tres teclados, ritmos programados y Mario a veces a la guitarra, nada más y nada menos, el público ya estaba en el bote desde la primera canción. El recital fue una mezcla de grandes clásicos, (“Tú Me Induces Al Mal”, “Camp”, “Arzobispo Makarios”, “Mi Café”, “El Sangriento Final De Bobby Johnson” y la imprescindible e inevitable “Atrapados en el ascensor”) y versiones locas como “Me Han Sodomizao” (“In The Army Now” de Status Quo”), “Otro Brick De Don Simón” (“Another Brick In The Wall” de Pink Floyd) o la sorna de “Urdangarín” (“Rasputín” de Boney M)… y “Foie gras” (“Voyage, Voyage” de Desireless). También temas nuevos e inéditos como “Peta Zetas”, para los que se repartieron paquetitos del producto por el público para cantar el estribillo. Hechos como éste, habrán provocado que más de uno equivocadamente hayan dicho de ellos que son cómicos musicales, ninguneando sin razón las excelentísimas composiciones que allí escuchamos con una audiencia que se conocía las canciones y las cantaba o vociferaba con energía eufórica. Mario alucinaba con alguien que en un extremo del público se sabía absolutamente todas.

El recital fue una fiesta que reflejaba el espíritu publicitario; para vender un producto, no hace falta una película, con un anuncio basta, y para una buena canción no hacen falta veinte músicos en el escenario y cuarenta instrumentos y mil luces de colores. La nostalgia de los ochenta se tornó en celebración de una época pasada, y del momento en el que estábamos. De verdad que Un Pingüino En Mi Ascensor despierta pasiones, y provoca sonrisas y risas en sus letras, junto con los comentarios de Mario, y de José Luis que roza o se revuelca en la verborrea, en un tono pseudosolemne, casi arengas, entre canción y canción.

Y La despedida se hizo de rogar tras dos bises (algo a lo que José Luis le gusta parodiar) y el final con “En La Variedad Está La Diversión”, cuyo estribillo reflejaría el espíritu de los congregados allí:

“Y lo pasé bien, Y me gustó un montón

Porque en la variedad está la diversión”

Y digo reflejaría, porque en realidad es un encomio de las relaciones sexuales con cualquier cosa que se mueva o no. Bandas nuevas y no tan nuevas han de tener a nuestro pingüino en mente. Manos De Topo, Hidrogenesse, Los Punsetes, Los Ganglios, todos comparten un humor socarrón, surreal y descarado que les hace deudores de una visión alternativa e irónica del mundo y de la música misma.

Karl Bartos - Off The Record, Memorias de un Joven Robot

Apareció en Achtung

Repasando la obra de Karl Bartos con respecto a su trabajo en Kraftwerk, nos pueden dar vértigo las conclusiones a las que podemos llegar. Antes de la llegada del músico de Berchtesgaden, Hütter y Schneider, fundadores de la banda, habían publicado cuatro grandes discos jamás vueltos a editar oficialmente con los que consiguieron fama en el circuito de música experimental, dentro de la emergente etiqueta del Krautrock. Bien es cierto que Autobahn (1974), aún sin Bartos como integrantedel grupo, dio a los alemanes un éxito internacional más allá del atlántico. Sin embargo, la carrera de los muchachos de Düsseldorf iba cuesta abajo en lo referente a ventas; aunque sus dos siguientes álbumes, Radioactivity (1975) y Trans-Europe Express (1977), tienen su sitio en las cimas de la creatividad de la música electrónica y no electrónica, la banda estaba desapareciendo en las listas. Tras éste último, los alemanes, dejaron a Karl Bartos (que junto con Wolfgang Flür estaba se encargaba sólo de la percusión electrónica) ayudar en las actividades compositivas, dando un nuevo giro al sonido de la banda. Los temas que dejó en las cintas magnéticas del estudio Kling Klang conformaron géneros como el techno-pop, el synth pop y el electropop, dejando el Krautrock definitivamente atrás. Entre estos temas están ni más ni menos que “The Robots”, “Metropolis”, “Neon Lights”, “Numbers”, “Pocket Calculator”, “Home Computer”, “Tour de France”, “Musique Non Stop” y “The Telephone Call”. Depeche Mode, The Human League, Eurythmics, Moroder, Hidrogenesse, Daft Punk, Air y la escena electrónica de baile son sólo unos pocos herederos de los Kraftwerk de la época de Bartos. Así que de un artista de este calibre estamos hablando. Tras publicar el gran acierto que fue The Mix en 1991 (cuyo título debería haber sido The Remake, porque son clásicos rehechos), Bartos dejó la banda, incapaz de aguantar lo dolorosamente lento que se convirtió el proceso de crear con ellos.

En definitiva, ¿qué senda ha seguido Kraftwerk sin Bartos? Con Hütter y Schneider de nuevo frente a las labores compositivas (lo que los críticos no deberían llamar “los líderes de Kraftwerk”, sino sus dueños) la banda se dedicó a seguir dando conciertos y a publicar con enorme lentitud temas indignos de ellos como “Expo 2000”, y el soporífero álbum Tour De France Soundtracks, en la que mancillan el maravilloso “Tour de France” coescrito por Bartos, en 1982. Ahora, la máquina acabó comiéndose al humano, y lo que eran melodías de una frialdad hermosa, se quedaron en pura percusión incesante. Lamentable declive, difícilmente entretenido.

¿Y qué fue de Bartos sin Kraftwerk? Desde que Bartos dejó el grupo (sin que se le diera crédito por su trabajo en The Mix) se adentró en varios proyectos más cercanos al pop rodeado o rodeando a grandes colaboradores, para más tarde volver a la senda electrónica pura y dura con Communication (2003), que nos devolvió a la máquina humana con ritmos, melodías y voces robotizadas. 

Ahora, Bartos nos presenta un disco más que notable llamado Off The Record, que no es un producto nuevo al cien por cien, ya que ha hecho uso de las anotaciones y grabaciones de sus composiciones que abarcan varias décadas, con las que consiguió un diario musical escrito y grabado. Bartos no recibió bien al principio la sugerencia por parte de la discográfica de usar este diario, no obstante, cuenta el músico, le ha dado satisfacciones tales como la oportunidad de “producir al joven Bartos” y, pensamos más de uno, de obtener el que quizá sea su mejor álbum. El proceso empezó llevando todo tipo de grabaciones desde diversos formatos al ordenador, y una vez con estos souvenirs sonoros al alcance en modo digital, Bartos comenzó a completar, componer y producir.

El álbum empieza fuerte con un monumental tributo al símbolo de la Exposición Universal de 1958 en Bruselas, “Atomium”, y en las anotaciones de Bartos, nombres como “El Rito De La Primavera” de Stravinsky, Witold Lutoslawski y Bernard Herrman. “Atomium”. La melodía de “International Velvet” (Otra modelo en una canción de Bartos) viene de un ensayo de Kraftwerk en el Hammersmith Odeon en 1981. Suena a “Kelly Watch The Stars” de Air, pero Air suena a Kraftwerk muchísimas veces por los cuatro costados. El tema más comercial podría ser “Without A Trace Of Emotion”, en la que explora su agridulce sentimiento de estar unido de por vida a la imagen de la portada de The Man Machine de Kraftwerk. Ahora con la de Off The Record estará unido también más a la de Computer World, con él en la portada con rasgos de supermarioneta de los Thunderbirds. “The Binary Code”, de principios de los noventa, es un breve experimento sonoro de evocar de manera sonora el vuelo de una bandada de aves, con Debussy en mente. “Musica Ex Machina” tiene su origen a principios de los ochenta. Ya en los noventa, su base fue usada en dos de los proyectos de Bartos bajo el nombre de Elektric Music y Electronic, banda en la que brevemente cohabitó con Johnny Marr y Bernard Sumner. “The Tuning Of The World” tiene como inspiración a Dios, la muerte, el arte y el amor y a Laurie Anderson. Un emotivo tema que haría las delicias de Isaac Asimov, con Bartos poniendo voz a una máquina que canta y suspira que “ojalá pudiera creer en Dios / la vida sería un lugar seguro / construiría mi hogar en terreno firme. / Es difícil comprender / por qué unos creen y otros no./ ¿Quién es el que afina el mundo?”. “Instant Bayreuth”, que tiene su origen en 1970, tiene como objetivo, que consigue, el de recrear el sonido y espíritu de Wagner de manera electrónica. “Vox Humana”, sin estar carente de interés, quizá sea el punto débil de Off The Record. Se trata de un collage de ritmos e idiomas cuyo mensaje es “La voz humana es el instrumento músical más expresivo”. “Rhythmus” nos devuelve al “Numbers” de Computer World de Kraftwerk, aderezado con un polymoog. Y como antesala del último y pegadizo tema, “Hausmusik” (del que cuenta Bartos que a un miembro de Kraftwerk le sonaba a Mozart) está “Silence”, seis segundos de música ambiental.

Volver atrás y retomar el trabajo dejado a un lado puede ser una falta de imaginación por no saber cómo seguir adelante. Si esto es así en el caso de Karl Bartos, nos da exactamente igual, porque su naturaleza hace Off The Record una obra ecléctica y por la del compositor, excitante, y no sólo para los fans de Kraftwerk. Off The Record se sostiene por sí mismo y por su herencia recibida. Los riffs, acordes, ritmos y demás anotaciones sonoras dejadas atrás bien merecían una segunda oportunidad, que provoca echar de menos a los Kraftwerk de Bartos, es decir, cuando tenían canciones palpables y no aburrían como ahora, afrontémoslo. Por eso, Con Karl preparando nueva gira, recibimos con curiosidad, pero no con esperanza, los rumores de nuevo álbum de Kraftwerk sin nuestro robot favorito… eso sí, no faltaremos al Sonar de Barcelona a verles en directo tocar sus canciones de siempre.

Christian Kjellvander, reflejo del momento

Christian Kjellvander

Sala Cero

Sevilla

30/01/2013

Fotografías: Juan Antonio Gámez

 

La noche del 30 de enero prometía y mucho. Ni siquiera el interesantísimo (no para todos) partido que ponían en televisión pudo evitar que la conocida Sala Cero, dedicada al teatro sobre todo, se llenara casi por completo para ver a un sueco que canta folk americano mejor que muchos americanos. Todo gracias a Green Ufos, la distribuidora de música independiente que lleva más de una década trayéndonos música de primera y organizando eventos de grandes artistas conocidos y/o aún por conocer. Green Ufos conmenzó en Alcalá de Guadaira, dedicándose a la venta por correo y organizando conciertos. El Ovni Verde creció y fueron llegando más sellos, convirtiéndose en una de las distribuidoras independientes más importantes del país. Y a Sevilla (e Isla Cristina) las tiene bien mimadas con su South Pop.

Christian Kjellvander es bien digno de Green Ufos, por eso no es la primera vez que pisa Sevilla. En activo desde 1995 con The Loosegoats, luego con Songs of Soil, en 2002 empezó una carrera con pocos discos, pero grandes. Su último parece ser el más brillante. Se llama The Rough And Rynge (2010), y fue grabado en cinco días en un granero que él mismo reconstruyó en Suecia, cuyo nombre es Rynge Castle. Christian, como si le hiciera falta, se justifica de este modo:

“Con la tecnología de hoy en día, cualquiera puede grabar como Los Beatles. Lo difícil es hacerlo como The Velvet Underground.Los discos no son, ni deben ser, ni más ni menos que reflejo del momento”.

Dos referencias musicales contrastadas, y que nada tuvieron que ver con lo que los no futboleros disfrutamos en la Sala Cero. Christian Kjellvander llevó a cabo una sobria y exquisita interpretación de los temas de sus discos con una guitarra, pocos pedales y poca luz. Y no hacía falta más. La voz grave y suave del sueco vibró e hizo vibrar con sus letras, evocadoras, esclarecedoras, bellas hasta el dolor en algunos momentos. Rara es la combinación del sonido de Kjellvander, que es capaz de unir folk, country con cierta sensibilidad pop que no suena a uno de esos prosaicos cantantes americanos barbicanos o de esos otros de pantalón bien ajustado que a media canción ya te tienen aburrido.

Ataviado como si hubiera salido de Rynge Castle, Kjevallender, que llegó a telonear a The Cardigans deslumbró con letras como la de “No Heaven”:

“El cielo no existe

Sólo más autopistas y hombres solitarios.

No existe el paraíso

sólo días y noches buenas”

El barítono empezó a refulgir con “Trasanlantic”, que abre The Rough And Rynge, acercándose al final a los pedales, añadiendo electricidad al momento. También entraron en el repertorio temas de The Loosegoats, como “Drift From The Tracks”, y su evocador comienzo “Hay una luz al final del lago…”, dándole algo de más movimiento al repertorio, en contraste con la siguiente, “Until The Mourning Comes”, de una belleza robusta y delicada, como la voz de Kjellvander. “Drunken Hands” parecía marcar el final del repertorio del sueco. No fue así. “Long Distance Runner” cerró una noche de mayúsculas.

Saliendo de la sala, CDs del artista bien servidos por los chicos de Green Ufos situados junto al bar. Cuando un recital merece la pena, no hay nada como, a pesar de los pesares de los tiempos que nos hacen vivir, comprar algo, y encima a buen precio. Kjellvander aparece de repente bebiendo lentamente en la barra en la barra mientras. Sonríe y firma amablemente dedicatorias. A la salida unas chicas: “Se creerá que somos unas locas” a lo que otra le contesta “Normal, si la última vez que le vimos en concierto le seguimos por toda la ciudad”.

Una vez en casa, la atenta escucha del disco. Da gusto un álbum así, sin que abrume la producción. Es todo un ejemplo de sencillez y sentimiento sin sentimentalismo barato, sin recurrir a temas desgastados. También el intimismo del directo que acabábamos de escuchar está plasmado en The Rough And Rynge. Es un álbum especial, de esos de los que gusta escuchar en la soledad de la penumbra del salón, en absoluta tranquilidad, sintiendo las agridulces carreteras de Norteamérica en los surcos del disco.

Ni por asomo nos preguntamos quién ganó aquel partido. La goleada fue del sueco más americano que los americanos.